Chondriac Music

Sigh No More, o cómo enamorarte del Folk rock

2011-08-17T03:30:00.013+02:00

Hacía mucho tiempo que no escribía en este blog por falta de tiempo y ganas, pero gracias a Mumford & Sons, he encontrado la motivación necesaria para, almenos, escribir esta entrada. Y es que con un grupo de este calibre, no es para menos.

Quiénes son Mumford & Sons, os preguntaréis. Esta banda inglesa de Folk rock fue formada en 2007 por Marcus Mumford, Winston Marshall, Ben Lovett y Ted Dwane. Todos ellos multi instrumentalistas. Todos ellos unos genios.
Algunos de esos instrumentos son la guitarra, batería, teclado, bajo e instrumentos tradicionales del folk como el banjo, la mandolina, la guitarra con resonador...

A pesar de contar con tan solo un álbum en su discografía (del cual voy a hablar hoy), este espléndido grupo me ha impactado de tal manera que ya probablemente esté en mi 'top 5' de grupos favoritos.
Y es obvio que no soy el único, pues su fama se está disparando con el paso de los meses. Una buena prueba de ello ha sido el FIB 2011, donde reventaron el Maravillas como buenos cabeza de cartel. Un festival al que, dicho sea de paso, pude acudir y acabar de enamorarme de Mumford & Sons (junto a Arcade Fire, los dos conciertos que más disfruté).
Dicho álbum es Sigh No More, publicado en 2009. Sin más dilación, hablemos de esta joya.

Little Lion Man, el single, abre el LP con el sonido de una guitarra acústica acompañada por el banjo, una escena característica del grupo. La voz de Marcus Mumford se incorpora devorando unos primeros instantes mágicos que, acompañados por tímidos acordes de guitarra eléctrica, avecinan que lo que estamos escuchando huele a temazo.
Al minuto de canción los instrumentos se desatan, permitiéndole a Marcus añadirle un heroico final al tema.

El nombre del disco, Sigh No More, da título al segundo tema. Uno de mis favoritos. Una canción que son dos a la vez.
Una primera parte melancólica que parece indicar anhelo por algo o alguien se combina con una segunda que da una vuelta de tuerca, transmitiendo una contradictoria felicidad y éxtasis.
El tema finaliza con una gran potencia, gracias a la asociación de Mumford con la batería, entre otros instrumentos.

The Cave es unos de los temas más conocidos de la banda. Con estructura muy similar a Little Lion Man, los instrumentos descienden y aumentan de intensidad al compás de la voz.

La regularidad de Winter Winds continúa con el álbum. Un tema sin los habituales cambios de ritmo, con una estructura estable y un coreado estribillo.

Roll Away Your Stone es el quinto tema. Con un comienzo muy lento, progresa hasta incorporar originales cambios de ritmo, acompañados de coros esporádicos.

White Blank Page es un precioso tema, lento y nostálgico, liderado en todo momento por la voz de Marcus Mumford.

Si White Blank Page es una canción preciosa, no encuentro adjetivos para describir I Gave You All, probablemente mi favorita.
Unos lentos acordes de guitarra acústica dan comienzo el tema, que inmediatamente incorpora una voz cargada de aflicción. La pesadumbre cae sobre la melodía del tema, que concluye con la rabiosa voz de Marcus Mumford, invitando a la esperanza y emoción.
Un final capaz de erizar todos los pelos del cuerpo. Un final brutal.

Timshel continúa con la monotonía lenta de los últimos temas, convirtiéndose en la canción más suave del disco.
Marcus Mumford lidera en todo momento la melodía con una triste voz acompañada, como no, de su guitarra acústica.

Thistle & Weeds es otro tema capaz de emocionar a cualquiera.
Un inicio lento es acompañado por brotes de voz que aumentan de intensidad de forma gradual. La aparición del piano también es protagonista en la progresión del tema.
Finalmente, los instrumentos alcanzan un vibrante clímax final.

Awake My Soul es la décima canción del álbum. Un tema alegre y sin muchos cambios de ritmo, con un bonito estribillo que poco a poco incrementa su potencia.

Otro de los temazos del disco es Dust Bowl Dance. Un nostálgico piano da comienzo a la canción, que pronto se une a la voz y a un esporádico banjo.
La progresión del tema se hace evidente mediante la melancólica voz de Marcus que, poco a poco, va alcanzando un sonido vengativo y cargado de rabia.
La batería se hace protagonista al final del tema en una explosión de instrumentos a la que se suma una desgarrada guitarra eléctrica.

Todo lo bueno acaba tarde o temprano, y este LP lo hace con After The Storm.
Un pausado y estable tema sin sobresalto alguno, con una triste voz como protagonista, que acompaña de forma paulatina el final de la canción y del disco.

Mumford & Sons no acaba aquí, pues ya se encuentran trabajando en un próximo trabajo que da la sensación que estará al nivel ofrecido hasta ahora, pese a que el listón está alto.
Ya han dejado caer algunos de los futuros temas en conciertos y festivales, como por ejemplo Hopeless Wanderer; una auténtica delicia.

¿Sabes esa sensación de que un grupo es perfecto?, ¿de que parece hecho a tu medida?, ¿de que no le cambiarías nada? Gracias Mumford por ser así. 9/10.

Radiohead anuncia nuevo disco para el 19 de febrero bajo el nombre de "The King of Limbs"

2011-02-14T16:03:00.005+01:00

¡Feliz día de los enamorados! ¿Pero qué digo? ¡Feliz 14 de febrero para todos los fans de Radiohead! Hace una hora hemos podido leer en el Twitter oficial de la banda que su nuevo disco saldrá el próximo 19 de febrero (o sea, ¡ya!) bajo el nombre de The King of Limbs.

Y así, de la nada, Radiohead anuncia la salida de The King of Limbs para dentro de cinco días. El álbum estará disponible en dos ediciones, una digital y otra física llamada “Newspaper Album”. Ésta incluirá vinilos de 10”, un cd, 625 ilustraciones y también la posibilidad de descargar digitalmente su disco. La edición física se empezará a enviar a partir del 9 de mayo, mientras que el disco se pondrá a la venta el 28 de marzo. Los precios, los podéis consultar en la web.

Además, si compráis cualquiera de las dos ediciones, entraréis en el sorteo de un vinilo de 12” firmado con dos canciones. Aunque sólo estará disponible para descargar el sábado 19 de febrero, el disco lo podéis pedir ya.

Por ahora no sabemos nada más del disco, pero después de haberse desvelado una de las mayores incógnitas, ¿los veremos este año por España? Ahí queda eso.

Fuente.

Increíble, Radiohead lo ha vuelto a hacer.

Si ya con In Rainbows revolucionó el mundo de la música, ahora saca The King of Limbs sin promoción alguna, todo lo contrario que lo que está haciendo The Strokes, por ejemplo. Una muestra más de que a este grupo no se le acaban las ideas.

Ahora sólo toca esperar al sábado y esperar que el disco esté al nivel de sus predecesores, algo de lo que no tengo duda que así sera.

Under Cover Of Darkness, el nuevo single de The Strokes

2011-02-10T14:55:00.008+01:00

The Strokes colgó ayer en su página web Under Cover Of Darkness, un adelanto del que será el primer single de su próximo álbum, Angles, que saldrá a la venta el próximo 21 de marzo.
Sin más dilación, he aquí la canción:

La canción no está nada mal, recuerda mucho a sus orígenes (Is This It); un tema alegre, dinámico, que además incluye un genial solo de guitarra al final. Esperemos que el resto del álbum esté al nivel.

Tracklist de Angles:

01. Machu Picchu
02. Under Cover of Darkness
03. Two Kinds of Happiness
04. You’re So Right
05. Taken For A Fool
06. Games
07. Call Me Back
08. Gratisfaction
09. Metabolism
10. Life Is Simple In The Moonlight

Más info de Angles aquí.

Ritual, un 'más de lo mismo' madurado

2011-02-07T15:46:00.014+01:00

Ritual es el segundo álbum de estudio del británico trío de rock alternativo White Lies.
Publicado hace escasas semanas -concretamente el 17 de enero de 2011-, está producido por Max Dingler (como ya hizo en el disco debut) y Alan Moulder, conocido por su trabajo con Placebo, Depeche Mode y The Smashing Pumpkins, entre otros. La discográfica es Fiction.

El disco presenta un estilo muy parejo al primero, To Lose My Life ..., en el cual hay grandes canciones como To Lose My Life, Farewell To The Fairground, o la sensacional Death.
Pese a ello, se aprecia una maduración en las melodías del grupo, pues las guitarras no se dejan escuchar tanto y se hace más hincapié en el uso del sintetizador.
Además, el disco no dispone de unos altibajos tan pronunciados como en el mencionado primer álbum, sino que es más bien regular en sus temas.
También se podría decir que el grupo inglés consigue consolidar su estilo, prueba de ello es que sus notas son muy fáciles de identificar. Algo que no sucede con todas las bandas actuales.

Is Love da entrada al álbum de manera bonita. Con una letra de carácter amoroso, este tema se mantiene con un ritmo estable y regular durante casi toda la melodía, dando así paso a 3 grandes temas.

Uno de ellos es Strangers, para mí el temazo del disco. Se caracteriza por una alegre melodía, acompañada por el sintetizador, y de un pegadizo a la par que enérgico estribillo en el cual la guitarra eléctrica asume un poco de protagonismo.

Tras Strangers llega Bigger Than Us, el single. Siempre he pensado que pocas veces se acierta con que el single sea la mejor canción del disco, y esta canción me da la razón. Es un buen tema, no cabe duda de ello, con un buen inicio, pero para mí no está entre las tres mejores canciones del LP.

Peace & Quiet es otra de mis canciones favoritas del álbum. Dispone de un bonito y pacífico sonido, que incluye un dulce estribillo en el cual la voz de Harry McVeigh se agudiza de forma adictiva. Destaca también la instrumental parte final, en la cual la guitarra eléctrica y el sintetizador se funden en uno.

Con Streetlights no baja el listón. Está caracterizado por una dinámica y animada melodía, acompañada en todo momento de un buen ritmo de batería.

Holy Ghost es un buen tema, uno de los más rockeros del álbum y con buenos cambios de ritmo durante toda la canción. La letra es una extraña mezcla amorosa-religiosa.

Con Turn The Bells el álbum baja el nivel. Un triste tema en el que la voz de Harry se acaba haciendo empalagosa y hasta pesada. Una canción que no pega con el estilo del grupo.

The Power & The Glory y Bad Love devuelven un poco de calidad al disco. La primera con un divertido ritmo, y la segunda con un buen sonido rockero.

El disco dice adiós con un buen tema como es Come Down. Un pausado tema que se mantiene frío hasta la parte final, en la cual un triste y emotivo estribillo cierra el disco.

En definitiva, es un buen disco, al nivel del buen álbum debut.
Aún así, estoy convencido de que no soy el único que esperaba un cambio de estilo y no algo tan parecido al primer disco. Espero que para el próximo disco así sea.
En todo caso, a un servidor le han convencido para asistir al concierto en Barcelona, que se celebrará en la Sala Apolo el día 15 de marzo de 2011.

White Lies, no está nada mal. 7/10.

The White Stripes se separan

2011-02-03T14:41:00.004+01:00

La banda de los hermanos Jack y Meg White ha anunciado este miércoles su separación a través de su página web. En un comunicado, explican que ponen fin a su trayectoria conjunta y que no grabarán más álbumes ni darán más conciertos en directo.

Según aseguran, la razón principal de esta separación es que ambos quieren preservar lo que es "hermoso y especial" de la banda. Además, aclaran que no hay motivos de salud ni diferencias artísticas detrás de esta decisión, que pone fin a una trayectoria de trece años.

Adelantan, eso sí, que Third Man Records continuará publicando material en vivo y grabaciones inéditas de estudio de la banda por sus canales habituales. Añaden que toman esta decisión con todo el respeto para sus seguidores, a los que agradecen por haber compartido esta experiencia.

Por último, el texto recalca que The White Stripes ya no pertenecen a Jack o a Meg, sino que pertenecen a todos sus seguidores, a los que dan de nuevo las gracias, y a los que dicen que pueden hacer "lo que quieran con eso". "Gracias por compartir esta experiencia", sentencian.

Fuente.

Un tanto previsible debido a la participación de Jack en otras bandas, véase The Racounters y The Dead Weather.

Una lástima, aunque siempre nos quedarán grandes temas como el himno Seven Nation Army, o Blue Orchid, Icky Thump y The Hardest Button To Button para el recuerdo.

¡Gracias y que os vaya bonito, señores White!

Arctic Monkeys lanzarán nuevo disco este año

2011-01-12T15:49:00.013+01:00

Da la sensación que todo el mundo ha elegido 2011 como fecha para sacar nuevo álbum, apenas llevamos unos días de año y no son pocos los grandes lanzamientos que esperamos en los próximos meses. Arctic Monkeys también han anunciado que su cuarto disco estará listo probablemente a finales de la primavera.

Dos años después de Humbug repiten con James Ford como productor en un disco que ya han comenzado a grabar el mes pasado en Londres y continuarán en Los Angeles. Nos olvidamos de momento de The Last Shadow Puppets, el proyecto paralelo de Alex Turner que personalmente, y tras su excelente debut, me interesa más.

Os recuerdo que los monos árticos estarán en la próxima edición del FIB y es muy probable que para entonces ya este su nuevo disco en la calle. Yo prefiero no hacerme demasiadas esperanzas, me pasa como con los Strokes, empezaron con un primer disco tan bestia que a partir de entonces todo sabe a poco. Ojalá tenga que comerme mis palabras por partida doble.

Sitio oficial | Arctic Monkeys

Fuente.

Es increíble la ambición que tiene este grupo que, lejos de darse un descanso, continúan buscando nuevos desafíos y grabando buenos discos sin parar.

Una pena que esta vez no les produzca Josh Homme para superar el Humbug (2009), mi disco favorito de Arctic Monkeys (del que hablaré próximamente). Aun así, no me cabe duda de que será otro gran disco.

No queda otra que esperar impacientemente a Mayo.

Funeral, arte canadiense

2011-01-09T13:34:00.022+01:00

El 14 de septiembre de 2004 la banda canadiense Arcade Fire debutó de forma inmejorable en el mundo de la música con su primer disco de estudio, Funeral. Un disco que se convirtió, según mi punto de vista, en uno de los mejores de la década pasada.
En mi opinión, muy superior a sus posteriores álbumes; Neon Bible y The Suburbs.

El disco, que es una mezcla de indie rock y art rock que deriva en rock sinfónico, está producido por ellos mismos y cuenta con un estilo peculiar y orquestal, que incluye numerosos y extraños instrumentos poco habituales en el rock; violines, violas, violonchelos, pianos, mandolinas, ukeleles, acordeones, xilófonos...

El título que da nombre al disco, debido a las numerosas muertes de familiares de los componentes durante la grabación, no es ninguna casualidad, pues las letras tratan sobre la muerte o la enfermedad.
Pese a ello, los instrumentos lo transmiten de forma optimista y emotiva, en vez de depresiva o triste.

Neighborhood #1 (Tunnels) inaugura el álbum de modo sublime.
Tema que empieza lento y pausado, acompañado de las notas de un simple piano que suena durante toda la canción y de la carismática voz de Win Butler, que en esta canción canta una letra de carácter amoroso y familiar.
Poco a poco, el ritmo de la canción crece para crear un sonido muy bonito, el cual estalla para oír el timbre de voz de Win y la explosión de numerosos instrumentos, con unos coros agudos finales preciosos (detalle muy característico de esta banda).

El álbum continúa con la enérgica Neighborhood #2 (Laika). Un tema que se muestra dinámico y alegre desde el principio, con el uso de numerosos instrumentos de cuerda en todo momento.
La parte final se caracteriza por un sonido más relajado y triste.

Tras ella, llega Une Année Sans Lumière, uno de los temas de las más tristes e influidas por las mencionadas muertes durante la grabación.
La melodía se mantiene fría y distante durante la mayor parte de la canción, con una melancólica voz de Butler acompañada de unas tímidas notas de la guitarra eléctrica.
En un final que podemos denominar épico, los instrumentos estallan para avivar el ritmo, con una voz mucho más animada de Win Butler.

Con Neighborhood #3 (Power Out) continúa la fiesta.
Los instrumentos demuestran sus intenciones desde el principio, con un activo y firme ritmo que acompaña toda la canción.
La voz de Win acompaña ese poderío, que destaca en los bonitos y potentes estribillos de la canción. La guitarra eléctrica también tiene su protagonismo durante toda la canción, incluyendo un bonito solo.
Un apoteósico ritmo que no decae hasta la última nota.

Neighborhood #4 (7 Kettles) cierra la cadena Neighborhood de forma emotiva.
Destaca el sonido de un violín, un violonchelo y una viola constantemente en la melodía, acompañados de una guitarra eléctrica que suena a ráfagas.
Un cautivador y conmovedor tema que invita al relax y a la calma.

La emoción continúa con Crown of Love, un lento y sensible tema acompañado en todo momento por el violín de una genial Sarah Neufeld.
La canción se muestra pausada y sosegada durante la mayor parte de la canción, excepto en una magnífica parte final, en la cual el violín y la voz de Win adquieren un ritmo más intenso.
Gran tema de los canadienses, es sin duda una de esas canciones capaces de hacer derramar una lágrima.

Wake Up es, casi con toda seguridad, la canción más accesible del álbum.
Un frenético tema caracterizado por una guitarra que se deja escuchar nada más comenzar el tema, con unos enternecedores coros muy emotivos que aparecen en diversas ocasiones.
Como es habitual en el álbum (y en el grupo), los instrumentos de cuerda son los protagonistas, con una firme voz de Butler como acompañante de lujo.
Una vez más, el tema es despedido con un bonito final.
Es una de las canciones más conocidas del álbum y, sin duda, una de mis favoritas.

Wake Up deja paso a Haiti, un exótico y pacífico tema que suena realmente bien.
La multi-instrumentalista Régine Chassagne, esposa de Win Butler, se encarga de dedicar esta canción al país caribeño del cual es originaria poniéndole una hermosa voz ella misma.
En el concierto del Palau Sant Jordi (al cual pude asistir) acompañó la melodía con un simpático baile que aún recuerdo.

Rebellion (Lies) es uno de los mejores temas del LP.
La nota de un piano que suena repetidamente le da un toque atractivo al tema (una nota que utilizan también en la fantástica canción del último disco We Used To Wait), mientras que la voz de Win le vuelve a dar personalidad al tema, en el cual se incluye un pegadizo estribillo.
Unos preciosos violines protagonizan una épica parte final que le añaden un toque memorable al tema.

In the Backseat despide de manera sensacional este fantástico álbum.
La encantadora voz de Régine se vuelve a apoderar del micrófono para envolver el tema, cantando una letra que transmite la muerte de Alice, un hecho que le hace aprender a conducir. Algo que, según cuenta, no sabía hacer aún debido a que le gustaba estar en el asiento trasero (in the Backseat).
La melodía se mantiene calmada hasta que la introducción de un firme ritmo de guitarra deja paso a dos sensibles y emotivos estribillos; el primero se muestra como un indicio que vuelve a reposar, mientras que el segundo no puede evitar estallar en todo tipo de instrumentos, acompañados por la ya citada Régine Chassagne, la cual hace gala de su timbre de voz dando el máximo de sí combinando varias cuerdas de coro de su delicada y tierna voz, que transmite una sensación de sufrimiento muy emotiva.
El suave sonido del violín de Sarah, ayudado por la batería de Jeremy Gara, conduce la melodía lentamente hasta su heroico final, poniendo así un perfecto punto final al álbum, puesto que es mi canción favorita del álbum.

Arcade Fire, sois geniales. 9/10.

Sam's Town, el techo de The Killers

2011-01-08T03:25:00.007+01:00

Hot Fuss fue un gran disco, un debut sublime para The Killers.
Pero su predecesor Sam's Town, del que hablaré en esta entrada, lo superó con creces. Sam's Town es el disco con el que The Killers tocó techo.
Prueba de ello es que desde entonces han caído en picado, en mi opinión, con sus siguientes trabajos; Sawdust y Day & Age.

Este disco, caracterizado por un rock alternativo y letras amorosas, da el pistoletazo de salida con un temazo que se titula como el propio LP, Sam's Town. La agradable voz de Brandon Flowers lidera este tema, acompañado de la guitarra eléctrica de Dave Keuning.
Los enérgicos y adictivos estribillos son lo más destacado de esta canción, que incluye una parte final muy épica gracias a los coros que acompañan la voz de Flowers.

Una bonita y breve Enterlude, que se caracteriza por las lúdicas notas de un piano, deja paso a When You Were Young, mi tema favorito del disco. Canción rockera que, con una letra preciosa que invita a la nostalgia, empieza con fuertes guitarras desde un buen principio.
La canción continúa igual de dinámica, e incluso adquiere más potencia con el paso de las notas gracias a algún que otro solo de guitarra.
Un gran tema que deja el cuerpo radiante de alegría.

Bling (Confessions Of A King) sigue por el mismo camino, pero esta vez con un toque más emotivo.
Se incluyen también sonidos más constantes del sintetizador que, sumados al poderío de la voz de Brandon Flowers, convierten en una épica melodía este tercer tema del Sam's Town.

La guitarra recupera su protagonismo en For Reasons Unknow, un potente tema que invita al optimismo.
La batería y el bajo de Ronnie Vannucci Jr y Mark Stoermer, respectivamente, también adquieren un papel importante en esta canción.

Read My Mind es un bonito tema que invita a la relajación y a la calma. Una buena forma de descansar de las melodías anteriores y emocionarte.

Nada más lejos de realidad, Uncle Jonny devuelve la euforia al álbum.
Una firme guitarra enseña las garras nada más comenzar la canción, para mantenerse en toda la melodía.
Un intenso y rockero tema que invita a la motivación.

Bones comienza con unos coros que recuerdan inevitablemente a Queen. Sin embargo, la incursión de un agudo instrumento rompe esa influencia y desata un gran tema de los estadounidenses.
Un pegadizo estribillo y la encantadora voz de Brandon caracterizan en gran medida la canción.
En la parte final, la voz se queda prácticamente sola (con el sintetizador como solitario acompañante) para finalmente estallar en un último estribillo, esta vez con más sonidos.

De My List opino que es la canción más prescindible del disco, pero no por ello deja de ser un buen tema.
La inicial solitaria voz de Flowers es secundada por un piano, hasta que unos tímidos indicios de guitarra eléctrica estallan en múltiples y amenos sonidos que concluyen en un bonito final.

This River Is Wild es un alegre y atractivo tema. Una absorbente guitarra eléctrica favorece la canción, como en prácticamente todo el álbum.
El timbre de la eficaz voz de Brandon Flowers alcanza prácticamente el límite para avivar esta enérgica y cautivante canción.

Con Why Do I Keep Counting?, The Killers vuelve a emocionar. Con una melodía inicial lenta y suave, los cambios de ritmo se apoderan de la canción para construir en ella algo glorioso.
La adorable voz de Flowers transmite buena cuenta de ello hasta la última nota.

Como es lógico, todo lo bueno se acaba, y este LP lo hace con Exitlude.
Un tema que recoge la pauta de Enterlude. Esta vez con una voz más viva, asistida por un bonito coro y un mejorado piano.

The Killers, este es vuestro verdadero sonido. 8/10.

In Absentia, el rock progresivo por excelencia

2011-01-07T02:10:00.011+01:00

7 discos necesitó (o quiso necesitar) Steve Wilson para encontrarle el verdadero sonido a Porcupine Tree. Hasta entonces, la banda era totalmente experimental, música ambiental en gran medida.

Este disco es el nacimiento de un estilo que combina el rock progresivo y psicodélico con metal progresivo, todo ello para construir una música muy peculiar y difícil de componer, con un estilo muy original.
Este disco también es una pauta que sigue el grupo en sus próximos trabajos, pues el estilo perdura y se mejora en los siguientes álbumes.
La espera mereció la pena. Desde luego que la mereció.

El poderío de Blackest Eyes inaugura este magnífico álbum. La potente guitarra de Steve produce vertiginosos cambios de ritmo que incluyen un dulce y suave estribillo conducido por la bonita voz del mismo Steve Wilson.

Con Trains llega la calma. Un precioso tema en el que Wilson, acompañado esta vez de una guitarra acústica, demuestra que también es capaz de hacer llegar al corazón con temas relajados.

Lips Of Ashes sigue la misma tónica. Una suave voz de Wilson envuelve toda la canción combinando bonitos y diversos coros con un fino ritmo de guitarra eléctrica.

Poco cambia en Sound Of Muzak. Canción un poco más dinámica que la anterior, pero sin llegar a asemejarse a la enérgica Blackest Eyes.
Buen tema experimental en el que un suave pero firme ritmo de guitarra acompaña la mayor parte de la canción, sobretodo en la parte final, en la que se incluye un virtuoso solo.

Llega la espectacular Gravity Eyelids, el mejor tema del disco sin lugar a dudas y uno de los mejores del grupo.
Épicos coros suenan inicialmente para dar paso a una calmada voz de Wilson en la que transmite la creación de una auténtica obra de arte. La canción prosigue pausada, lenta, y se incluyen nuevos sonidos a cuentagotas.
Pasado el ecuador de la canción, un silencio semi-absoluto se adueña de la canción para dar paso a unos indicios de guitarra eléctrica que finalmente estallan y, sumados a la batería de un genial Gavin Harrison, generan un formidable e intenso sonido que más tarde se combina con las voces iniciales.
Unas impetuosas últimas notas ponen el colofón a este gran tema, que se acaba desvaneciendo lentamente.

El listón continúa alto con otro gran tema, Wedding Nails. Una canción totalmente instrumental caracterizada por su alto dinamismo y regularidad, es probablemente el tema más potente del disco.
La intensa guitarra eléctrica de Wilson y el sintetizador, al mando de Richard Barbieri, son los protagonistas de este duro y firme tema, que mantiene viva su energía hasta la última nota.

Con Prodigal el disco se vuelve a relajar y vuelve a ese sonido más pausado. Tema muy parecido a Sound Of Muzak, pues también se caracteriza por la combinación del sonido de una calmada guitarra con la voz de Wilson, de los cuales la primera se desmelena en la parte final.

.3 es un tema ambiental, en la que la voz de Wilson se hace de rogar, ya que tarda en aparecer. Dicha voz, acompañada de un bonito coro, invita al relax y a la calma.

Con The Creator Has A Mastertape se recobra el dinamismo. Inesperados cambios de ritmo acoplan una distorsionada voz de Steve con su potente guitarra eléctrica también distorsionada, que genera un sonido fuerte e intenso.

Heartattack In A Layby es otra canción lenta y emotiva para disfrutar. La voz de Wilson penetra en tu cuerpo, como si de una droga se tratara, para crear una paz interior muy agradable.
Al final y al cabo, la música es como una droga; sin ella no podríamos vivir.

Strip The Soul continúa con esa paz, hasta que una firme guitarra eléctrica rompe esa magia. Los cambios de ritmo se suceden y se generan sonidos muy adictivos.
Ya en la parte final, el desmadre se apodera de la canción y se crean contundentes ritmos.
Al fin, una agonizante voz de Steve Wilson despide la canción despacio.

In Absentia se despide con un bonito tema como es Collapse The Light Into Earth. Las preciosas notas de un piano se dejan escuchar durante toda la canción, acompañadas de la angelical voz de Wilson, que constituye así un sonido conmovedor.
Los violines y los coros que se incorporan en la parte final provocan un sentimiento que se transforma en piel de gallina hasta la última nota.
Un modo genial de cerrar el álbum.

Steve Wilson, nunca dejarás de asombrarme. 9/10.

The Strokes publicará su cuarto álbum en marzo

2011-01-07T01:08:00.006+01:00

The Strokes ha anunciado su esperado regreso a través de una escena de la película 'El Hundimiento', traducida de tal manera que Hitler (interpretado por Bruno Ganz) muestra su irritación por el lanzamiento en marzo del que será el cuarto álbum de la formación neoyorquina.

"The Strokes completaron su cuarto álbum anoche", le dicen las tropas al Führer. "Quien tenga 'Is This It', 'Room on Fire' o 'First Impressions' (álbumes de la banda) en su iPod, que abandone la sala ahora mismo" responde él, con la consiguiente espantada.

Esta escena, que ya había sido reutilizada por los fans de 'Perdidos' por su descontento con el final de la serie, ha sido la elegida por Julian Casablancas, Nick Valensi, Albert Hammond Jr., Nikolai Fraiture y Fabrizio Moretti para romper su silencio y lanzada por su discográfica a modo de anuncio oficial.

Estos "fashionistas de Nueva York", como les llama Bruno Ganz en el vídeo, debutaron en 2001 y no habían presentado nuevo material desde hacía cinco años, lo que había desencadenado rumores de ruptura.

El nuevo lanzamiento, según ha declarado Fraiture, se producirá en marzo, y todavía no tiene título, aunque según la web de noticias musicales NME, se sabe que tendrá diez canciones, tiene sencillo elegido y recuperará el sonido clásico de la banda, que además saldrá de gira mundial.

Fuente.

El vídeo en cuestión:

Original forma de anunciar la fecha, esperemos que el disco también lo sea y se acercen al sonido del primer álbum, "Is This It".

Origin Of Symmetry: como pulir un diamante en bruto

2011-01-05T14:48:00.010+01:00

"El origen de la simetría". Muse decidió titular así su segundo álbum de estudio, un nombre matemático, un nombre técnico. No andaban mal encaminados, pues este disco roza la perfección.

Siempre he tenido un dilema en mi cabeza: ¿Origin Of Symmetry o Absolution? Por suerte o por desgracia, aún no he conseguido responder esa pregunta.
¿Por qué he decidido entonces hacer la crónica de Origin y no de Absolution? Es bien sencillo; este álbum supuso un cambio en el sonido del trío de Devon, encontraron un estilo, un estilo propio que podía incluso influenciar a futuras bandas. Un rock alternativo distinto al de los demás.
Por ello, con Absolution ya partían con cierta "ventaja".

El primer disco de Muse, Showbiz, es un buen disco, con algunos temas muy buenos, pero es un disco desorganizado, no hay un estilo definido, podríamos decir que es como una prueba, un diamante por pulir. En ese sentido me recuerda al The Bends.
Como ya he dicho, en Origin Of Symmetry el grupo británico encuentra un sonido en el cual no se estanca en futuros álbumes, pero sí que usa como patrón.
Me atrevo a decir entonces que este es el disco culpable del éxito de Muse.

El disco comienza con una magnífica New Born, perfecta para abrir un álbum. Con Matt Bellamy sentado en su piano, se empiezan a oír las primeras notas de un espectacular tema, uno de los mejores de toda la discografía de Muse.
El piano deja de sonar para dar paso a una guitarra distorsionada, en las manos también de Bellamy, para llegar así a un espectacular cambio de ritmo del cual también son partícipes Dom Howard sentado en su batería y Chris Wolstenholme, con un bajo también distorsionado.
Con la adictiva y atractiva voz de Bellamy continúa la canción, incluyendo unos espectaculares cambios de ritmo con Matt Bellamy como líder. Es una pena que esta canción se acabe.

Tras el buen sabor de boca inicial, Bliss mantiene esa energía y ese ritmo frenético que deja New Born. Es otro gran tema, más regular y con menos cambios de ritmo que el anterior, pero no por ello deja de ser otro gran tema. Dispone además de un pegadizo estribillo.

Con Space Dementia llega la locura. Un sonido espacial, extraño, con un piano que enamora a cualquiera. Un espectacular tema que transmite la sensación de estar viajando por el espacio.

Space Dementia deja paso a la enérgica Hyper Music. Un tema para volverse loco y saltar. El poderío en la viva voz de Matt, acompañado de los demás instrumentos, es el culpable de este gran tema.

Llegan Plug In Baby y Citizen Erased, dos temas apoteósicos. Mis dos canciones favoritas, no del Origin Of Symmetry, sino de toda la discografía de Muse.
La potente Plug In Baby transmite vida, un sonido único e irrepetible para los sentidos y para disfrutar una y otra vez. Su original riff y su adictivo estribillo lo corroboran.
Citizen Erased es más reservado, un tema con espectaculares distorsiones y cambios de ritmo. Pasas de la alegría absoluta a una triste melancolía en apenas unos segundos. La lenta parte final de esta canción transmite una paz interior realmente esperanzadora.

Micro Cuts es un contundente tema, los falsetes en la hipnótica voz de Bellamy son constantes en toda la canción. Unos falsetes que sólo Thom Yorke, Jónsi y pocos artistas más son capaces de realizar.

Tras Microcuts llega Feeling Good, un bonito y optimista cover de la canción de Anthony Newley y Leslie Bricusse ejecutado a la perfección.
El estilo que le incorpora el trío de Devon hace que, a mi gusto, supere con creces la original.

Se puede decir que Screenager y Dark Shines son las dos canciones menos buenas del álbum. Pese a ello, son dos temas que se dejan escuchar y no desagradan. La primera se caracteriza por un sonido más bien espacial y extraño, mientras que la segunda destaca por su dinamismo.

El disco cierra con Megalomania. Un gran tema experimental que destaca por su personalidad, con la inclusión de un órgano de iglesia que le añade un plus especial a la melodía.
Una prueba más de la ambición de este grupo.

A destacar también el b-side Futurism, que encajaría perfectamente en el disco debido a su agradable sonido y firme ritmo.

Muse, enhorabuena por esta obra de arte. 9/10.

Our Love To Admire, magia neoyorquina

2011-01-05T01:48:00.013+01:00

Sin palabras deja este fantástico tercer álbum de estudio del grupo estadounidense Interpol. Cada uno de sus temas desprenden una magia que te sumerge en la sensación de estar escuchando algo realmente bueno y elaborado minuciosamente en cada detalle.

Muchos opinan que Antics es el mejor disco de Interpol. No les falta razón, pero mis oídos no opinan lo mismo.
Como ya he dicho, Our Love To Admire es un álbum mágico, preparado al detalle, en el cual todas sus canciones siguen una tónica similar, que caminan sobre una línia recta y firme.
Ningún tema sobresale sobre el resto, son temas muy buenos que, sin llegar a ser excelentes, no se hacen repetitivos pero son muy similares entre ellos.

Los demas álbumes del grupo neoyorquino son buenos discos, pero no grandes discos. Son discos con temazos, probablemente algunos son mejores que cualquiera que pueda aparecer en este, pero no tienen un patrón, no siguen una tónica.
Al fin y al cabo, para mí un buen disco no es un conjunto de temazos, sino un disco que encaje y que, al acabar de escucharlo, te de la sensación de que no has escuchado un disco, sino más bien una sola canción. Our Love To Admire es, sin duda alguna, uno de esos discos.

El encargado de abrir el telón es Pioner To The Falls. Las primeras notas, comandadas por Daniel Kessler al mando de su guitarra, dan paso a la preciosa voz de Paul Banks y, acto seguido, la batería de Sam Fogarino le da fuerza a la canción.
Es un inicio perfecto, pues probablemente sea uno de las mejores temas del álbum.

No I In Threesome no se queda atrás. Con un inicio silencioso, los instrumentos no tardan en aparecer para que los sentidos aprecien un sonido elegante y atractivo. El piano que se escucha durante la mayor parte de la canción es testigo de ello.

The Scale y Wreckling Ball son las dos canciones que no acaban de encajar en el álbum debido a que tienen un sonido más concerniente a sus dos discos anteriores.
Pese a ello, no dejan de ser dos buenos temas.

El álbum continúa con The Heinrich Maneuver; un gran tema que empieza dinámico desde el principio, no tardan en aparecer los correosos ritmos de Kessler y los pegadizos estribillos. Finaliza con un solo de guitarra que se fusiona con un último estribillo para acabar el tema con un buen ritmo final.

Mammoth es un tema parecido a su predecesor, empieza movedizo desde el principio y la aparición de la voz de Paul le añade un plus adicional. Como ocurre con la ya mencionada The Heinrich Maneuver, mantiene esa vida hasta la última nota.

Con Pace Is The Trick se vuelve a ese sonido pausado y oscuro del primer tema, hasta que la inclusión de nuevos instrumentos le añaden un sonido melancólico con el paso de las notas.
Un tema triste (y no por ello lento) para escuchar tranquilamente para que penetre profundamente los sentidos.

All Fired Up recobra un poco la alegría con un sonido más enérgico. La guitarra se vuelve a apoderar de la canción con la voz de Paul Banks como líder y la batería de perfecto complemento.
Esta canción deja paso a un auténtico temazo.

Con Rest My Chemistry llega la perfección. Sin duda alguna el mejor tema del disco, pero como ya he dicho antes, no sobresale sobre el resto de canciones, pues sigue un mismo patrón musical.
Un precioso ritmo de guitarra eléctrica es el acompañante de lujo durante prácticamente toda la canción.
Un tema ideal para sumergirse en este mágico álbum de Interpol.

A continuación, Who Do You Think no baja para nada el listón. Junto a Mammoth, es la canción mas alegre del disco.
Mucha actividad en los instrumentos acompañan un tema divertido que puede alegrarte un día gris.

Y por último, The Lighthouse. Un final inmejorable.
Canción que se mantiene fría, oscura y distante durante la mayor parte. Una triste voz de Banks y una distorsionada guitarra de Kessler dan fe de ello.
Sin embargo, la incursión de una nueva esperanzadora y emotiva distorsión, acompañada de las suaves notas de un piano, pone el bello de punta en la parte final de la canción para poner el colofón a este gran disco.

Un álbum elegante para un grupo elegante. 8/10.

Muse en Barcelona: el primer concierto de mi vida

2011-01-04T02:20:00.007+01:00

A lo grande. Así fue mi primera andadura en un concierto, en el Palau Sant Jordi y teniendo delante a Muse. Aunque cualquiera diría que actuaba Muse, pues con los nervios que tenía parecía que quién fuera a actuar aquel 24 de noviembre de 2009 fuera yo mismo.

Asistí al concierto (conciertazo, mejor dicho) con la única pero suficiente compañía de mi hermano, que tampoco había asistido a ningún concierto previamente.
Éramos dos hombrecillos inocentes y nerviosos que no sabíamos que nos depararía aquella noche.
Afortunadamente, resultó ser más mágica de lo que jamás hubiéramos esperado.

Tras costarnos lo suyo entrar en pista gracias a un desgraciado empleado del Sant Jordi y tras una espera que se hizo eterna, las luces se apagaron para apreciar una espectacular puesta de escena con 3 torres cubiertas como si de un mueble de mudanza se tratara.
Con los nervios a flor de piel, empezaba a sonar We Are The Universe, una breve introducción instrumental y, tras la caída definitiva de unos inquilinos que ascendían las escaleras de las cubiertas torres, las capas dejaron de cubrir las torres para poder apreciar al trío de Devon.

El bajo de Chris Wostenholme dictaminó que el show debía comenzar a sonar, y las notas de Uprising se dejaron escuchar por todo el Palau. Acompañado de unas gafas de sol de colores propias de la venta ambulante, Matt Bellamy empezó a cantar bajo la inmensa alegría de 25.000 fieles espectadores.
No nos lo podíamos creer, ¡teníamos a nuestros ídolos a sólo unos metros tocando para nosotros!
Uprising fue un inicio espectacular, aún retumba We will be victorius en mis oídos siendo gritado por todo el Palau Sant Jordi.

El concierto prosiguió con Resistance y, acto seguido, con la brillante New Born, en la que Matt demostró las diabluras que es capaz de hacer con su guitarra eléctrica, acompañado de la batería de un excepcional Dom Howard.

Con los espectaculares ritmos de Map Of The Problematique continuó la fiesta y la cinematógrafa Supermassive Black Hole tampoco faltó a la cita.
Una sorprendente MK Ultra por su directo, hizo que no decayese la euforia y, junto a un breve interludio, Hysteria hizo acto de presencia con mucha potencia, como era de esperar de un temazo así.

El concierto continuó con el inesperado b-side Nishe, que dio paso al tema United States Of Eurasia, perteneciente a un último álbum (The Resistance) algo flojo si lo comparamos con sus predecesores.
Con el cover Feeling Good y Guiding Light se dio paso a una sorpresa increíble como es Helsinki Jam, en la cual Chris y Dom abarcaron todo el protagonismo.

Llegó el turno de la canción Undisclosed Desires y, tras ella, sonó el precioso tema Starlight, en el cual la voz de Matt y la de los espectadores catalanes se unieron en una sola.
Tras Starlight, se daba paso a 3 temazos antes del Encore; Plug In Baby, que fue probablemente la canción del concierto haciendo botar a todo el Palau, la mítica Time Is Running Out y, por último, Unnatural Selection con sus espectaculares cambios de ritmo.

Tras un breve y merecido descanso, los ingleses volvieron para finiquitar un concierto memorable con una de sus sinfonías de su último disco: Exogenesis: Symphony, Part 1: Overture. Tras ella, Stockolm Syndrome emocionaba a la par que hacía entrar en estado de euforia a la ciudad condal con su precioso estribillo y su inconfundible guitarra.
El concierto finalizaba de la mejor manera posible con la épica Knights of Cydonia, que hizo volverse loco al Palau por última vez para despedir un concierto que nadie olvidará fácilmente.

Aún con la euforia invadiendo mi cuerpo, me compré una camiseta y un póster allí mismo y me dirigí hacia casa con una sonrisa de oreja a oreja.

En aquel entonces no podía saber si aquel sería el mejor concierto al que asistiría jamás, pero hoy puedo decir que después de haber asistido a 7 conciertos más, ninguno ha sido tan mágico como aquel.

Amigos ingleses, sólo pido que no tardéis en volver.

Swoon, la culminación de un estilo

2011-01-04T01:03:00.017+01:00

Enorme el gran paso que ha dado Silversun Pickups con su excelente último álbum.
Si bien el disco debut de los californianos, Carnavas, era un buen disco para comenzar, con un estilo peculiar que incluía un buen rock alternativo destacando una voz diferente, con este segundo álbum consolidan un estilo muy cuidado y especial, que a mi personalmente me encanta.

El disco empieza con un buen inicio como There's No Secrets This Year.
Ritmos dinámicos que auguran que lo que vas a escuchar a continuación es un temazo tras otro.

El disco sigue con un The Royal We espectacular, que junto a It's Nice To Know You Work Alone, son los mejores temas del disco.
Dos temas que empiezan con una ritmo normal, regular, sin llegar a exponerse al máximo de lo que darán de sí.
En ambos temas, un espléndido solo de guitarra dan paso a una parte final épica en la que Brian Aubert saca a relucir su inconfundible timbre de voz, que se mezcla con los demas instrumentos para crear, durante unos instantes, un sonido único y prácticamente perfecto.

Antes de It's Nice To Know You Work Alone está Growing Old Is Getting Old. Un tema que comienza lento, suave, triste hasta que un espectacular cambio de ritmo da lugar a un bonito sonido de guitarra eléctrica que, acompañada de un destacable ritmo de batería, da lugar a un final épico con un Aubert genial haciendo gala de su excepcional voz una vez más.

Panic Switch, con una melodía pegadiza y dinámica, dispone de un pegadizo estribillo y una parte final en la que el grito I'm waiting and fading and floating away pone el bello de punta para dar paso a el estribillo por última vez, esta vez con más coros.

Draining y Catch & Release son dos preciosos temas que te sumergen en la magia que desprende este fantástico grupo. Capaces de emocionar a cualquiera, estas dos canciones son para escuchar tranquilamente en el sofá de tu salón mientras te das cuenta de lo grande que puede llegar a ser la música.

El álbum encamina su recta final con dos temas muy similares: Sort Of y Substitution. Melodías aceleradas desde el principio y estribillos muy adecuados acompañan a estos dos cuidados temas.

Para finalizar, una potente Surrounded despide de manera magistral un disco magistral. Distorsiones muy buenas caracterizan el último tema de este disco con unos continuos redobles en la batería que dan un muy buen sonido a la canción.
Para no faltar a la buena costumbre, un precioso sólo de guitarra final acompaña la canción hasta el final para dar paso por última vez al estribillo y así cerrar un álbum que premia el buen trabajo de los estadounidenses.

Cabe destacar también el b-side Currency Of Love, que encaja perfectamente con la tónica del álbum.

Silversun Pickups, por favor seguid así. 8/10.

OK Computer: el mejor disco de la historia

2011-01-03T16:06:00.012+01:00

Para dictaminar que un álbum es el mejor de la historia se ha de escuchar mucha y variada música, es decir, has de ser todo un experto musical con grandes conocimientos. Algo que, pese a que considero que escucho y he escuchado muchos álbumes, yo no soy ni por asomo.

¿Por qué me atrevo entonces a afirmar que OK Computer es el mejor disco de la historia?
Bien, la música no es algo técnico, no es algo matemático, es gusto, y por encima de ello, es sentimiento.
Puedo entonces atreverme a decir que el impacto que ha generado en mi vida este álbum no lo ha hecho jamás ningún otro disco por bueno que sea. No creo que encuentre nunca un disco parecido en el pasado.
Es más, me atrevo a afirmar que ningún otro disco que sea lanzado en el futuro me hará cambiar de opinion.
Dicho esto, pasaré a explicar el contenido de esta auténtica obra de arte:

1- El álbum comienza con Airbag; un tema agradable, regular y sencillo, con una guitarra eléctrica que se deja escuchar en casi toda la canción y un estribillo que se adapta muy bien a la melodía.

2- Acto seguido viene Paranoid Android, para mi la mejor canción del disco.
Las primeras notas te hacen pensar que estas escuchando un auténtico temazo, y si lo piensas, realmente estás en lo cierto.
Es una canción que, al más puro estilo Radiohead, mezcla la guitarra acústica del genio Thom Yorke junto a la eléctronica de otro genio como es Jonny Greenwood, mientras el primero hace despliegue de esa angelical voz que le caracteriza.
Los constantes cambios de ritmo hacen de esta canción un tema único e inigualable, puedes pasar de tener el bello de punta a sentir una alegría interior inmensa en apenas décimas de segundo. Realmente espectacular.

3- Subterranean Homesick Alien. Una de las canciones más flojas del álbum, pero no por ello deja de ser un buen tema que cualquier grupo hubiera firmado incluir en alguno de sus álbumes. Esta canción deja paso a 3 canciones extraordinarias.

4- Llega Exit Music (For A Film). ¿Qué voy a decir de este auténtico temazo? Tema que empieza lento, pausado, que transmite una paz interior propia de los británicos.
Nada más lejos de la realidad, el ritmo progresa lentamente hasta llegar a una parte final explosiva donde Yorke hace gala de un timbre de voz excepcional que, a buen seguro, pone de punta todos los pelos que tengas en tu cuerpo.
No exagero si digo que este tema puede hacer llorar a cualquier persona.

5- Let Down. Canción lenta, sencilla, con la voz de Thom liderando un tema triste, solitario, que es capaz de emocionar a cualquiera.

6- Karma Police es probablemente la canción más conocida del disco y del grupo (junto a Creep). Es un tema agradable de escuchar, con un ritmo pegadizo y un estilo muy Radiohead.

7- Fitter Happier. No hay mucho que opinar sobre este tema sin importancia. Siempre he pensado que las voces que suenan se asemejan a las que se oyen de fondo en los estribillos de Paranoid Android.

8- Electioneering. Canción alegre, con Greenwood haciendo de las suyas con su guitarra eléctrica. Estribillo pegadizo, ritmo dinámico, un buen tema sin duda.

9- Otro temazo: Climbing Up The Walls. Un gran tema que empieza lento, pausado, con estribillos suaves. La parte final de la canción se caracteriza por un solo de guitarra espectacular y una voz más dada de sí.

10- No Surprises. Tema sin muchos cambios de ritmo sencillamente brutal. Canción alegre, dinámico, entre los instrumentos destaca el "Glockenspiel", que se deja escuchar en toda la canción para producir una calma interior muy propia de Radiohead. Realmente esta canción no se pueda describir, sólo hay que sentirla.

11- Lucky. Bonita canción con un ritmo regular con un estribillo esperanzador. La voz de Thom incluye algún que otro precioso cambio de voz y la guitarra de Jonny marca un ritmo seguro, con un gran sólo al final.

12- Última canción que finaliza un maravilloso disco: The Tourist. Estribillo fácil de escuchar, muy pegadizo, y un ritmo firme que acompaña toda la canción.
Un final épico para un disco épico.

Siempre he pensado que Radiohead nació con este álbum, pues es en este disco donde encuentran su auténtico sonido que plasman también en los siguientes discos, los cuales tampoco se quedan cortos.
Recomiendo también escuchar algunos temas de este disco en directo, es una buena forma de ver como transmite y siente este grupo su música.

En definitiva, un disco demasiado perfecto para un mundo imperfecto. 10/10.

Ready To Start

2011-01-03T01:50:00.004+01:00

Es hora de dar el pistoletazo de salida a Chondriac Music.

Este blog, en principio personal, será un blog única y exclusivamente musical, con sus distintas categorías en las que expresaré mis gustos mediante la opinión sobre álbumes, canciones, grupos, géneros y un largo abanico musical.

¿El género predominante? Bien, como indica el propio nombre del blog soy un apasionado fan de Muse, y por tanto trataré el Rock en casi todas sus variantes.
Véanse rock alternativo, indie rock, art rock, rock progresivo, rock psicodélico, rock electrónico, rock experimental, grunge, garage rock, punk rock y un largo etcétera.
Mi gusto musical también comprende un poco de metal, con la variante progresiva en casi toda su totalidad.

A parte del ya mencionado trío de Devon, completo el podium de mis grupos favoritos con Radiohead y Porcupine Tree debido a su influencia en mi vida y porque los considero un escalón por encima de cualquier otro grupo que pueda llegar a gustarme tanto musicalmente como en las ya esmentadas influencias.
Nunca me preguntéis por el orden en que tengo a mi "podium musical", pues no lo sé ni yo, normalmente me va por rachas.

Now I'm ready to start.